Indigo Sparke: Hysteria Album Review

Indigo Sparke: Hysteria Album Review

Si les débuts d’Indigo Sparke en 2021, Écho, ressenti comme un murmure à l’oreille, son suivi ressemble à un hurlement du sommet d’une montagne. Sur Hystérie, l’auteure-compositrice-interprète folk australienne ouvre son monde, un changement qui se reflète également dans le personnel. Où Écho, avec sa voix en chair de poule et ses doigts effleurant les cordes de la guitare, a été produit avec Adrianne Lenker de Big Thief, Hystérie est le fruit d’une collaboration avec Aaron Dessner, le multi-instrumentiste national qui a également travaillé avec Taylor Swift. Avec le soutien de Dessner, Sparke chante avec défi sur une instrumentation corsée. Mais l’espace retrouvé ne s’exprime pas seulement dans la musique : son écriture, elle aussi, s’étend plus loin, s’étendant à perte de vue.

Sparke a écrit la majorité de cet album au cours des premiers mois de 2020, alors qu’elle luttait sous le poids d’une relation qui s’effondrait en même temps que la société semblait également s’effondrer. “Le chagrin a ouvert une porte sur le passé avec lequel je pensais avoir fait la paix”, a-t-elle expliqué dans un communiqué de presse. « Mais il y avait des jours où je ne pouvais tout simplement pas me lever. J’avais l’impression que tout tombait à travers ce trou dans ma poitrine. Les émotions de Hystérie sont des forces élémentaires : une lune rouge qui coule (“Time Gets Eaten”) ou un cyprès poussant de votre abdomen (“Infinity Honey”). Ils refusent de rester à l’intérieur du corps individuel : Au lieu de cela, ils s’étendent vers l’extérieur à travers les générations, la société et la terre elle-même.

L’album est entouré de deux de ses meilleures chansons, qui utilisent toutes deux une approche radicale de style montage pour raconter des histoires. Sur l’ouverture “Blue”, la superposition de la voix de Sparke crée un chœur désespéré et agité, alors qu’elle répète le même motif mélodique sur des grattements de guitare insistants et entraînants. La chanson bouge sans relâche tandis que Sparke offre des aperçus d’urgence après urgence : violence domestique, ruptures de relations, appels téléphoniques désespérés au cœur de la nuit. Les détails sont rares mais brûlants; c’est à la fois une catharsis profondément personnelle et quelque chose de lointain. “Burn”, le morceau de clôture, se balance librement, la voix de Sparke glissant sur des accords acoustiques cliquetants alors qu’elle plonge dans les cauchemars d’enfance en toile d’araignée et la longue ombre du traumatisme familial. La lignée évoquée par Sparke dans ces chansons est spécifiquement féminine : Hystérie, après tout, tire sa racine du grec « hystera », qui signifie « utérus », et c’est un mot chargé d’histoire patriarcale. Sparke le récupère sur cet album, en utilisant des images de marées, de lunes et d’utérus pour dépeindre des émotions fortes avec solennité.

Hystérie met en valeur la capacité de Sparke à glisser entre le minimalisme et des tempêtes plus puissantes. Bien que la surface de cet album soit plus brillante et plus large que celle de son prédécesseur, les moments les plus étonnants sont toujours ceux d’une révérence feutrée : “Real” est une ballade terreuse avec Sparke chantant seule sur le doigté alors qu’elle évoque une sensation de faim fantomatique. Ce moment de calme semble plus poignant placé près du drame entraînant et attisant les braises de “Set Your Fire on Me”. Sur le point culminant lustré “God Is a Woman’s Name”, Sparke mélange les deux extrêmes de son son, avec des couplets doux et des refrains stridents qui se concentrent sur son chant rituel suppliant : « Priez, priez, priez.”

A 14 pistes, Hystérie est un album plus long que Écho, et il ne maintient pas toujours son intensité. Le va-et-vient entre les ballades et les chansons plus audacieuses sacrifie parfois l’élan. Mais l’objectif plus large, qui permet à Sparke de composer à la fois son son indie-rock et son écriture radicale, est toujours impressionnant. Pendant l’évanouissement bluesy de “Time Gets Eaten”, elle brille dans son registre supérieur, rimant à moitié “l’amour est un mensonge” avec “l’amour est toujours vivant”, laissant une tension non résolue entre les deux alors qu’elle soupire, “L’amour est. ” C’est comme si la chanson était un test de Rorschach, vérifiant à quel point vous vous sentez plein d’espoir ce jour-là. Malgré les thèmes sombres et personnels, les horizons tentaculaires de Sparke créent toujours de l’espace pour vous à l’intérieur.

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